Artestudio es el espacio de trabajo creativo del coreógrafo y artista plástico de larga trayectoria: Ricardo Rozo (Bogotá, 1957), co-fundador de la Compañía Objets-Fax (1982) junto a Jean Claude Pellaton y Patrick Humbert (Suiza). Posteriormente crea la Fundación Objets-Fax/ El Contragolpe para formalizar y administrar sus procesos en Bogotá (2001) y crea también la Asociación Kaktus en Suiza (1994) para gestionar el Antilope Festival (1994-2016) como plataforma de circulación internacional en la ciudad de La-Chaux-de-Fonds. En cuarenta años de proceso creativo continuo e insistente, Ricardo Rozo ha configurado un repertorio compuesto por casi treinta obras coreográficas, interdisciplinares y multidisciplinares. En sus obras persiste el interés por crear conexiones entre la danza contemporánea y las artes plásticas y visuales; generando formatos híbridos que emplean la instalación, la construcción de escenografías y exposiciones de objetos, archivos, pinturas o mobiliarios que permiten la composición del movimiento o que generan información complementaria que amplían la percepción de los espectadores. A esta noción de trabajo le llama ´´Objets-Fax´ (Objetos de comunicación), germen creativo de la compañía y son el detonante para la creación del movimiento. También es notable en su proceso la necesidad constante de reducir o modificar el espacio de la acción escénica proponiendo verdaderos retos interpretativos y resolutivos por parte de los bailarines. Esta segunda cualidad del trabajo ha madurado en el presente y la hemos denominado ´´escenario no convencional´´.
La producción creativa de Ricardo Rozo cuenta aproximadamente con treinta obras que resuenan hoy de manera particular con el fenómeno bogotano de expansión de las artes plásticas hacia las artes escénicas y su análisis poïetico toma sentido para nosotros, en presencia de la creación artística emergente, la transformación de la mirada y la puesta en valor de la producción artística local ante los nuevos públicos de profesionales, artistas en formación, comunidad universitaria y sectores LGBTIQNB+. En el gráfico que se expone a continuación es posible visualizar un esquema que plantea una mirada formalista por etapas y nociones de trabajo que dan cuenta de la riqueza reflexiva de este repertorio creativo y su maduración en el tiempo; un proceso que ha buscado con insistencia acercar los lenguajes de la danza contemporánea a las artes plásticas y visuales.
–Aída (2020). Serie coreográfica y audiovisual. Beca de Creación en Danza-Lenguajes Contemporáneos del Instituto Distrital de las Artes de Bogotá-IDARTES (2020).
Aída es una pieza coreográfica creada para la cámara, en donde se retratan aspectos de la vida doméstica de distintos personajes, mayoritariamente femeninos, develando sus contradicciones con los roles y estereotipos de género impuestos socialmente. Aquí el video no es sólo el soporte, es también materia de composición visual, sonora y rítmica; aportando notablemente a crear una visión interdisciplinar entre la composición audiovisual y la escritura coreográfica.
Visualizar los episodios en: www.artestudio-bog.com/aida
Intérpretes: Ana María Vitola, Juana del Mar Jiménez, Ricardo Villota y Michel Tarazona.
Edición audiovisual: Alejandro Ardila
Registro audiovisual: Ricardo Rozo
Creación sonora: Ricardo Rozo asistido por Jesús Buendía
Gestión cultural: Andrés Cárdenas Palencia
–Obsolescencias: retratos campestres en poses distinguidas (2018). Beca de Creación en Danza, Categoría Larga Trayectoria, Ministerio de Cultura de Colombia y Beca de Creación en Danza-Lenguajes Contemporáneos del Idartes.
Esta obra refiere a dos acepciones de la obsolescencia. La obsolescencia programada es un fenómeno que refiere a la planeación y cálculo anticipado de la vida útil de un producto, garantizando mayor lucro para las empresas productoras, pero menor calidad para los consumidores. Por otro lado, la obsolescencia opera en esta obra como símil de anacronismo y como metáfora de un sentido de la propiedad de la tierra latifundista y su explotación económica ´´feudal´, características que observamos en el sector agrícola colombiano y que relacionamos como una de las múltiples causa de violencia y conflicto.
A nivel formal, la obra implicó investigaciones concretas con la técnica de la tierra pisada como materia escultórica y como material limitante del movimiento de los intérpretes-creadores, logrando un laborioso proceso de creación que implicaba construir paralelepípedos de tierra pisada en cada ensayo y muestra del proceso, permitiendo componer una gestual y corporalidad propia que explotaba la expresividad del rostro y de las manos para mostrar una suerte de estancamiento y hieratismo en los personajes retratados.
Dirección: Ricardo Rozo
Intérpretes: Anibal Quiceno, Felipe Valenzuela, Ricardo Villota, Diana León.
Estudiantes en formación de la Pontificia Universidad Javeriana, Bogotá: Laura Velilla, Paola Garzón, Federico Bautista.
Gestión cultural: Andrés Cárdenas Palencia
–Incurias, elogio a la fatalidad (2017-2018). Obra participante en el XVI Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá 2018.
Incurias es un dueto coreo-teatral que surge de una serie de experimentaciones con un dispositivo de circuito cerrado, consistente en una cámara cenital que registra al acción en vivo y un video-beam que permite visualizar las acciones realizadas en tiempo real por los dos intérpretes; potenciando una mirada que muestra las cualidades plásticas de las acciones realizadas en escena y consistentes en la composición de trazos gráficos y pictóricos que generan los cuerpos en movimiento de los intérpretes-creadores sobre una superficie blanca; así como los juegos de iluminación dispuestos de manera lateral y cenital sobre la escena. El dueto es una escritura en bucle que los espectadores tendrán que descubrir cada vez que se ´´repite´´, mientras recorren la arquitectura de Artestudio, en donde se muestran otros materiales como archivos intervenidos, animaciones de video, esculturas, acciones e instalaciones que relacionan la biografía de los personajes en escena.
Intérpretes: Ricardo Rozo y Diana León.
-CuartOscuro/Camera Obscura (2016, 2021-2023). Obra co-producida por el Antílope Festival, Cantón de Neuchatel, Suiza, el Programa Arte Conexión del Idartes, Bogotá y Artestudio: escenario no convencional (2016). En sus versiones más recientes, la circulación de la obra ha sido apoyada por el Programa Es Cultural Local de Chapinero (2020), Beca Red Galería Santa Fe del Idartes (2020), Beca ENREDD (2022) de la SCRD de Bogotá y también por medio de recurso propios y auto-gestionados en 2022 y 2023.
CUARTOSCURO: Exposición coreográfica (2016, 2021-2025)
¿Qué es el Cuarto oscuro? El cuarto oscuro es el espacio de revelado fotográfico, bañado de una luz rojiza y cargado de gases; allí se materializan imágenes de la realidad. El otro cuarto oscuro es un espacio laberíntico, estrecho sin iluminación, en donde los cuerpos masculinos se disponen para el contacto y el intercambio erótico o sexual; ya sea bajo la sordidez de una discoteca, un video o sauna gay. En ese espacio cargado de deseos y prejuicios emanan muchas de los revelados que hoy proponemos al espectador. Acercamos la mirada y el cuerpo del visitante a personajes actuales, en situaciones que revelan imaginarios conflictivos entorno al cuerpo masculino, al deseo y los afectos homosexuales. El recorrido suscita miradas críticas sobre la masculinidad patriarcal y las nuevas concepciones de masculinidad que emergen en nuestro contexto.
Creada inicialmente en 2016 entre Bogotá, París y La Chaux-de-Fonds (Suiza) y re-creada desde finales de 2020, CuartOscuro se ha convertido al cabo de 13 temporadas y 80 funciones en un proceso vivo. Esta obra multidisciplinar emula la disposición espacial de una exposición que el público descubrirá a través de su escucha activa y movilidad, recorriendo los tres niveles de Artestudio: escenario no convencional. En este escenario compuesto por siete espacios diferentes se fragmentan escrituras coreo-teatrales, instalaciones audiovisuales, sonoras o plásticas. Estos espacios fueron, en el pasado, las instalaciones del sauna gay El Club 57 (1998-2013); un comercio de socialización homosexual dotado de un cuarto oscuro y ubicado en el corazón del Distrito Creativo y Diverso de Chapinero.
Intérpretes 2016: Theo Pendle, Antonin Chediny, Hugo Mahut.
Coproducción: Antilope Festival, Loterie Romande, Ville de La-Chaux-de-Fonds.
Más información en: https://artestudio-bog.com/cuartoscuro/
–Ánima (2013). Obra estrenada y co-producida en el Antílope Festival en La-Chaux-De-Fonds, Suiza. Temple Allemand.
El concepto de Ánima refiere a los imaginarios masculinos de ´´lo femenino´´, sus atributos y cualidades. Este concepto proviene de la literatura del psicólogo, médico y psiquiatra de nacionalidad suiza: Carl Gustav Jung (1875-1961), considerado como el fundador de la Escuela de Psicología Analítica o Psicología de los Complejos. En esta obra, el dispositivo audiovisual en circuito cerrado refuerza la dramaturgia de la pieza interpretada en vivo al develar una suerte de alter-ego o reflejos de los personajes en escena; creando además variaciones rítmicas entre el sonido e imagen audiovisual, entre la acción en vivo y la acción pre-grabada proyectada frontalmente sobre el escenario. Aparecen también estrategias como la manipulación de objetos, de mobiliario y materias plásticas como la tierra negra de jardinería, así como el uso de escrituras corporales en donde se acumula el gesto, generando serialidad y disociación entre el movimiento y la voz de los intérpretes en escena.
–Ímagos (2010-2012). Co-producción del Antílope Festival, La-Chaux-De-Fonds, Suiza. Obra resultante de una residencia artística en el Teatro: Le Regard Du Cygne, Paris. Creación Centre Culturel du Pommier, Septiembre de 2012 Neuchâtel
Ímagos se corresponde con las investigaciones formales y conceptuales materializadas en Ánima (2013). La palabra Imago significa imagen en latín y para el psicoanálisis de Carl Gustav Jung (1875-1961) ilustra la imagen mental, las imágenes idealizadas que tenemos de los adultos en nuestra niñez. El Ímago subyace en el inconsciente de todos nosotros. En esta pieza se recurre nuevamente al dispositivo cenital de proyección para intercalar la composición coreográfica interpretada en tiempo real con imágenes audiovisuales de rostros, nubes y fragmentos del cuerpo que son desnudados por medio del desplazamiento lento y el movimiento de las intérpretes. La tierra negra cubre la superficie de proyección y permite la creación de otras imágenes con cualidades plásticas que relacionan el movimiento y la materialidad.
–Naturalezas Muertas/ Ex Natura (2007-2008). Teatro Jorge Eliécer Gaitán, Bogotá. Teatro Colón y Casa del Teatro Nacional, Bogotá. El género del bodegón, las naturalezas muertas y la iconografía religiosa del Barroco y la pintura flamenca dan pie a una serie de coreografías en donde los objetos escenográficos tienen gran importancia. Las composiciones coreográficas se alimentan de los objetos requiriendo agilidad, destreza en los agarres de pies y manos, así como control del centro corporal, generando imágenes en donde es evidente la suspensión de los cuerpos en formatos verticales y cajas construidas en madera industrial dotadas con perforaciones rectangulares y pintadas para lograr efectos visuales con la iluminación.
El montaje escénico se inspira en las imágenes del cuerpo en las representaciones religiosas, interesándose en la teatralidad que introduce la luz en la pintura clásica. Este montaje para escenario convencional propone el espacio reducido de dos cajas perforadas en que la escritura coreográfica inscribe el cuerpo en movimiento, buscando establecer paralelos simbólicos con varios montajes de video y una banda sonora cargada de referencias sonoras y ambientes sugestivos.
Esta obra mira con algo de nostalgia la natura que no conocimos y que hoy solo intuimos en la lectura de algunos mitos ancestrales, en esa flora plasmada en las láminas de la Expedición Botánica, en aquellos paisajes suramericanos que vieron los viajeros europeos del siglo XIX…
Una naturaleza que fuel un mundo del que percibimos el tenue perfume en cada árbol que cae, en cada especie que desaparece…
Inspirado en las pinturas de paisajes y naturalezas muertas, el espectáculo presenta imágenes de video, canto lírico y una banda de sonido que sitúan elementos alegóricos, mientras que la danza propone ´´estados corporales´´, en los que se plantea la relación del hombre moderno a la natura.
Dirección artística y coreografías: Ricardo Rozo
Intérpretes corporales: Jhonny Vidal, Jhon Henry Gerena, Antonia Muñoz y Carolina Ramírez.
Creación sonora: Jean-Claude Pellatón y Ricardo Rozo
Intérpretes vocales: Ángela Cayuela (Soprano), Yudis Marchena (Mezzo Soprano)
Intérpretes teatrales: Rafael Alejandro Rubio y Enrique Amariz
Beca de creación en danza contemporánea, mediano formato. Orquesta Filarmónica de Bogotá-Área de Danza.
–YKP: Ive Klein y Jackson Pollock (2005). El trabajo pictórico de Yve Klein y Jackson Pollock son el detonante formal y visual perfecto para componer una serie de coreografías y escenas que aluden al lenguaje pictórico a través de la mancha, el dripping, el azul cobalto y el empleo de encuadres que fragmentan la visualización del cuerpo.
Esta obra referencia las propuestas plásticas de Yves Klein y Jackson Pollock y se desarrolló por medio de una residencia en el Centro de Arte contemporáneo de Neuchâtel, Suiza. De Yves Klein la obra adopta idea de emplear el cuerpo-pincel como instrumento para depositar las imprentas (Performance de 1962) y se interroga sobre la elaboración de imágenes pictóricas partiendo de la traza del movimiento de acciones sencillas ejecutadas por personas sin entrenamiento en danza o ´´Cuerpos-peatones´´. De Jackson Pollock, la obra retoma la inmersión del cuerpo en el acto de pintar (action painting), estructurando coreográficamente las acciones para depositar la pintura sobre una superficie inclinada. Se emplea el slow motion y la inmovilidad para marcar la existencia de las composiciones efímeras que se producen. Los dispositivos se organizaron en un orden determinado, adaptándose al sitio específico y empleando los diferentes espacios de la galería, museo o espacio no convencional.
–Bazar (2006). Montaje de grado quinto año de danza contemporánea. Fundación Gilverto Alzate Avendaño. Facultad de Artes ASAB.
–La Huella: Danza y Artes Plásticas (2001-2004)
La materialidad de la pintura, la tierra negra de jardinería, los pigmentos y la iluminación escénica convencional hacen parte de una búsqueda coreográfica de largo aliento que asociaba las escritura corporal con el lenguaje pictórico. La escenografía compuesta por cinco páneles de madera industrial con perforaciones, pintadas e iluminadas evocaban unas tablas vivas (tablaux vivants) que aprovechaban al máximo las perforaciones sobre planchas de madera industrial y su formato apaisado para componer verdaderas imágenes pictóricas, pero con el cuerpo en movimiento. Otros métodos de trabajo también aparecieron en este proceso creativo: la noción de cuerpo peatón que relaciona el proceso creativo con personas sin experiencia escénica o artística previa, estrategia que permitió la consolidación de laboratorios de formación e investigación-creación con personas amateurs y con bailarines profesionales generando una riqueza en las cualidades de movimiento y materiales creativos encontrados en el proceso, al tiempo que amplió el alcance del proyecto.
´´La cultura deja huellas en cada uno de nosotros y nuestros cuerpos son la expresión de esas marcas; nuestra historia esta poblada de rastros, a veces dolorosos. Esas marcas muestran una relación potente con la naturaleza y lo sagrado; de la misma forma que nuestro cotidiano se encuentra marcado por la estratificación social, la violencia en contra de la vida, el machismo y las huellas que el amor deja en nuestros seres. La HUELLA propone una serie de cuadros realizados con cuerpos peatones, personas sin entrenamiento corporal profesional, e intérpretes contemporáneos a través de los cuales el espectador puede identificar las huellas de eso que llamamos cultura´´
Dirección coreográfica y artística: Ricardo Rozo
Bailarines: Mónica Osma, María Claudia Mejía, Ángel Ávila, Jhony Vidal, Alakxter Oyola y Ángela Suárez (q.e.p.d.).
´´Cuerpos peatones Bogotá´´: Sandra P. Lucas, Adriana Leguízamon, Paula Juliana Cornejo, Andrés Bonilla, Diana León, Ferney Campos, Ángela M. Camacho, Joel Girón, Hoovaldo Flórez y Fabio Andrade.
Premio Nacional de Coreografía en danza contemporánea, Ministerio de Cultura de Colombia (2004). Circulación en Bogotá 2004: Teatro Delia Zapata, Teatro Colón, Teatro Libre de Chapinero, Fundación Gilverto Alzate Avendaño. Medellín: Corporación Medellín de Jazz-Café Teatro.
Suiza 2004: Teatro de Neuchatel, Temple Allemand, La Chaux-de-Fonds, DampfZentrale, Berna; Teatro ADN, Ginebra; Teatro La Alambra, Winterthur Kulturhaus, Teatro Casa del Artista Ramón Jiménez, Barcelona, Venezuela. Matucana 100, Santiago de Chile; Teatro Simón Bolívar, Quito.
Beca de creación del Instituto Distrital de Cultura y Turismo de Bogotá IDCT (2003).
-Sin lazos/ Sans Attaches (2000): El Estudio, Casa del Teatro Nacional (Bogotá) y Luneta 50 (Barranquilla)
Dirección: Ricardo Rozo
Intérpretes: Sandrine Legendre, Ricardo Rozo, Jean-Claude Pellaton, Patrick Humbert y César Cuenca.
–Jour de Mafiance / Días de Desconfianza (2000).
–Lluvias Ácidas (1995). Esta pieza referencia de manera muy clara el nombre y concepto central de trabajo de Ricardo Rozo y de la compañía Objets-Fax. El Objets-Fax, traducido como: Objetos de Comunicación alude a una estrategia de creación específica: la construcción de objetos, muebles o escenografías de carácter modular que sirven de base para la composición coreográfica. La potencia de estas construcciones escenográficas modulares se aprecia en Lluvias Ácidas. La dramaturgia de la obra consiste en la construcción de una dispendiosa escenografía compuesta por paralelepípedos de madera con huecos. Estos paralelepípedos son ensamblados meticulosamente para conformar cinco tótems de 4,5 metros de altura sobre los cuales se yerguen los cuerpos de los intérpretes-creadores. En torno a la construcción de estos tótems y su puesta en escena, en vivo y en directo, se crean secuencias de movimiento que aluden a un futuro apocalíptico.
Artistas en escena: Charles Vodoz, Marvel Benavides, Patrick Humbert, Ricardo Rozo, Jean-Claude Pellatón y Oscar Orozco. Teatro Colón, Bogotá.
–Still Alive (1991)
–El Combate Vano (1992).
–Moi-Je (1991)
–Historias de la Noche (1991)
Retrato seriado (1989). Acrílico, pasteles y lápices sobre tela.
